Arte&Oro

Almuerzo sobre la hierba

2011-08-24T05:53:00.000-07:00

Le Déjeuner sur l'Herbe ("Almuerzo sobre la hierba" en francés, muy a menudo mal traducido como "desayuno") es un cuadro al óleo de 208 cm de altura y 264,5 de largo, pintado por Édouard Manet en 1863. Se exhibe en el Museo de Orsay de París.

Al principio se llamó a este cuadro Le Bain, y luego La Partie carrée. En español, también se ha traducido como La merienda campestre o Almuerzo campestre.

El escándalo que causaba una mujer desnuda desayunando despreocupadamente con dos hombres completamente vestidos, lo que ofendía a la moralidad de la época, se acentuaba por el hecho de que las figuras eran reconocibles.
El cuadro representa un almuerzo en un bosque, cerca de Argenteuil, donde discurre el Sena. La mujer desnuda, la modelo de Manet Victorine Meurend, cuyo cuerpo está crudamente iluminado, mira directamente al espectador. Está sentada sobre una tela azul, probablemente una parte de las ropas que se ha quitado. Los dos hombres son el hermano de Manet, Gustave y su futuro cuñado, el escultor holandés Ferdinand Leenhoff. Están vestidos como dandis. Los hombres parecen estar ocupados conversando, ignorando a la mujer. En frente de ellos, se muestran las ropas de la mujer, una cesta de frutas, y un pan redondo, como en un bodegón. En el fondo, una mujer ligeramente vestida vadea una corriente. Demasiado grande en comparación con las figuras del primer plano, ella parece flotar. La esposa de Manet, Suzanne Leenhoff, y su modelo favorita, Victorine Meurent, posaron para la mujer desnuda, que lleva la cara de Meurent pero el cuerpo de Leenhoff .

Campos de Cordeville

2009-06-04T08:52:00.000-07:00

Campos de Cordeville, en Auvers-sur-Oise (en francés, Chaumes de Cordeville à Auvers-sur-Oise) es un cuadro del pintor holandés Vincent van Gogh. Fue pintada en junio de 1890, por lo tanto, poco antes de su suicidio, pues se disparó en el pecho el 27 de julio, muriendo dos días después. Está pintada al óleo sobre tela con unas dimensiones de 72 cm x 91 cm. Se conserva en el Museo de Orsay de París, Francia.
Camille Pissarro sugirió a su amigo que marchase a Auvers-sur-Oise, un pueblo no muy lejos de París, para recuperarse después de la experiencia en el manicomio. Este es el primer cuadro que pintó después de su recuperación.
Se nota un uso particular de los colores fríos como los verdes, los azules y el violeta: los colores cálidos característicos de las obras precedentes son escasos. Los árboles y la hierba parecen movidos por un fuerte viento y las nubes recuerdan las formas de arremolinadas de La noche estrellada. La casa parece desaparecer en medio del verde dominante.

El arte de la pintura

2009-05-24T04:51:00.000-07:00

La pintura representa una escena íntima de un pintor pintando a un modelo femenino en su estudio, junto a una ventana, con el fondo de un gran mapa de los Países Bajos.

La pintura tiene sólo dos personajes, el pintor y su modelo. Se cree que el pintor sería un autorretrato del artista, aunque no resulta visible su cara. Viste con lujo, lo mismo que hizo Rembrant en El pintor en su estudio. La vestimenta lujosa subraya la idea de que el pintor no es un mero artesano sino ejecutor de un trabajo distinguido.Una serie de objetos que se muestran en el estudio del artista se cree que están fuera de lugar. El suelo de mármol ajedrezado y el candelabro de oro son dos ejemplos de objetos que normalmente estarían reservados entonces para casas de las clases pudientes.
El mapa del fondo es de las Diecisiete Provincias Unidas de los Países Bajos, flanqueadas por vistas de los principales centros de poder.

Los expertos atribuyen simbolismo a varios aspectos de este cuadro.
El tema es la Musa de la Historia, Clío. Esto se evidencia en que luce una corona de laurel, sostiene un cuerno (que representa la Fama, como encarnación de la celebridad), y lleva un libro (representando el conocimiento) .El águila de dos cabezas, símbolo de la dinastía austriaca de los Habsburgo y anteriores dirigentes de Holanda, que adorna el candelabro dorado central, puede haber representado la fe Católica. Vermeer era único al ser un católico en una Holanda predominantemente protestante. La ausencia de velas en el candelabro se supone que representaría la supresión de la fe católica.
La máscara que está sobre la mesa junto al artista se cree que sería una máscara mortuoria, representando la inefectividad de la monarquía habsburgo.
Como corresponde a una alegoría, la luz natural se convierte en luz glorificadora, a través del recurso a la luz intensa que proviene de una ventana invisible, a la izquierda, y que cae directamente, sobre la modelo representando a la Musa.

Sofonisba Anguissola

2008-07-18T05:30:00.000-07:00

Sofonisba Anguissola fue una pintora italiana, la primera mujer pintora de éxito del Renacimiento.
Sofonisba Anguissola (también escrito Anguisciola) nació en Cremona (Italia) hacia 1532. Era la mayor de siete hermanos, seis de los cuales eran niñas. Su padre Amilcare Anguissola, era miembro de la baja nobleza genovesa. Su madre, Bianca Ponzone de familia influyente, falleció cuando Sofonisba contaba entre 4 y 5 años.

Anguissola pintó autorretratos y retratos de su familia y son consideradas sus mejores obras. Sus figuras pueden parecer algo rígidas, pero también tienen su encanto. Su maestro Campi le influyó en su estilo delicado y su interés por la línea.

la partida de ajedrez

Impresión,sol naciente

2008-07-17T04:42:00.001-07:00

Impresión, sol naciente (en francés:Impression, soleil levant) es un cuadro del pintor francés Claude Monet, que dio su nombre al movimiento impresionista.
Fechado en 1872, aunque pintado más probablemente en 1873, su motivo es el puerto de Le Havre en Francia, usando muy pocos toques de pincel que sugieren en vez de delinear. Monet explicó posteriormente el título:
"El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea , de ahí el título , una impresión que me dió. He reproducido una impresión en le Havre, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el fondo... me preguntaron por un título para el catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havrem y dije "pongan impresión"

El foyer de la danza de la ópera

2008-07-15T04:13:00.000-07:00

Es un cuadro del pintor francés Edgar Degas. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 32 cm de alto y 46 cm de ancho. Fue pintado en 1872. Actualmente, se encuentra en el Museo de Orsay, de París, Francia.
Edgar Degas es conocido sobre todo por estos cuadros de bailarinas de ballet, vestidas de tul, con lazos y sus características zapatillas, tanto en ensayos como sobre el escenario.
En este caso se ve al maestro del ballet, en pie al lado derecho, apoyado en un bastón con el que marca el ritmo y corrige los movimientos. Hace un gesto con la mano a la bailarina que está ensayando, que aparece en el lado izquierdo del cuadro, con el que le pide más reserva y comedimiento
Al lado del maestro está un violinista, sentado ante el atril. Alrededor de estas figuras, hay otras bailarinas, unas en la barra de la pared del fondo, otras mirando la escena.

Autorretrato con su esposa Isabel Brant

2008-07-11T08:35:00.000-07:00

Autorretrato con su esposa Isabel Brant es un cuadro del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo sobre madera, que mide 1,78 metros de alto y 1,36 m. de ancho. Actualmente se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania).
Rubens se autorretrata aquí con su primera esposa, Isabel Brandt (1591–1626), hija de un noble de Amberes. Rubens e Isabel se casaron el 3 de octubre de 1609, en la Abadía de San Miguel de Amberes, poco después de que él regresara a la ciudad tras pasar ocho años en Italia

La pintura es un retrato doble a tamaño casi natural de la pareja sentada ante un arbusto de madreselva, que simboliza el amor y la fidelidad conyugal. Las manos derechas unidas (junctio dextrarum) indican que ya estaban casados.
Rubens se deleita expresando con gran detalle las calidades de las telas, los encajes y bordados, así como los demás objetos representados, casi como si deseara demostrar su habilidad.

Además, Rubens se representa a sí mismo como un caballero aristocrático con su mano izquierda sobre la empuñadura de su espada.

El niño de la barquita

2008-07-08T06:05:00.000-07:00

En 1904 el tema de playa se impone en la producción de Sorolla y con él surgen los temas infantiles, que ya había tanteado con anterioridad entremezclados en escenas de pescadores. Continúa con la obsesión de las luces del ocaso, que iluminan bruscamente la composición, y los niños, tripudos, son hijos de pescadores que no estaban muy bien alimentados.

Millet

2008-07-05T05:36:00.000-07:00

Jean François Millet
(Gruchy, Francia, 1814-Barbizon, id., 1875) Pintor francés. Nació en una familia de campesinos de Normandía y, gracias a una beca, pudo estudiar pintura en París, en el estudio de Delaroche. Sus primeros retratos y cuadros mitológicos nada tienen que ver con sus posteriores obras de tema campesino, en las que se enaltecen la vida y las ocupaciones diarias de las gentes que trabajan en el campo.

Millet, poseía un profundo sentido de la naturaleza, al igual que Théodore Rousseau: la interpretaba (más que reflejarla sin más) comprendiendo las voces de la tierra, los árboles o los senderos. Millet afirmaba sentir en la naturaleza más de lo que los sentidos le daban. El tono a ratos sentimental de sus obras (El Ángelus) le aleja un tanto del otro gran realista, Courbet, más áspero y rebelde.

Las espigadoras

la siesta

Tiépolo

2008-07-02T05:10:00.000-07:00

Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770)
Nació en Venecia, norte de Italia, ya finalizado el período renacentista. Pintor de retratros, cuadros al óleo, frescos decorativos religiosos, mitológicos y relacionados con la historia. Desde joven es reconocido en Europa como gran maestro del estilo Barroco. También trabajó en Alemania y España. Tiepolo pintó casi todas sus obras por encargo, para decorar iglesias y palacios. Se caracteriza por la gran luminosidad y el contraste de colores que emplea en sus telas y frescos. Al comenzar su carrera recibió la influencia del pintor clásico Giovanni Battista Piazzetta. Ya maduro, muestra influencias de El Veronés

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Joven con loro

Mujer con Mandolina

La Ronda de Noche

2008-07-01T05:18:00.000-07:00

La ronda de noche o La ronda nocturna (en neerlandés: De Nachtwacht) es el nombre por el que se conoce comúnmente a una de las más famosas obras maestras del pintor holandés Rembrandt, pintada entre 1640 y 1642. Ésta es una de la joyas de la exposición permanente del Rijksmuseum de Ámsterdam, pinacoteca especializada en arte neerlandés.

Aunque el título del lienzo como La ronda de noche está históricamente consolidado, su nombre original fue La compañía militar del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willen van Ruytenburg. Éste, que quizá fuese su verdadero título, fue descubierto gracias a la inscripción hallada en un boceto preparatorio.

El cuadro fue llamado en el siglo XIX Patrouille de Nuit por la crítica francesa, y Night Watch por Sir Joshua Reynolds; de ahí el nombre por el que se le conoce popularmente. El origen de este título surge de una equivocación de interpretación, debida a que, en esa época, el cuadro estaba tan deteriorado y oscurecido por la oxidación del barniz y la suciedad acumulada, que sus figuras eran casi indistinguibles, y parecía una escena nocturna. Después de su restauración en 1947, donde se eliminó este barniz oscurecido, se descubrió que el título no se ajustaba a la realidad, ya que la acción no se desarrolla de noche sino de día, en el interior de un portalón en penumbra al que llega un potente rayo de luz que ilumina intensamente a los personajes que intervienen en la composición.

Manet

2008-06-28T04:22:00.000-07:00

Édouard Manet nació en París el 23 de enero de 1832,murió en París el 30 de abril de 1883.

Manet es un pintor de la vida moderna, él encarna el prototipo de artista que reclamaba Baudelaire. Bien es verdad que sus obras suscitaron escándalos de los más conocidos en la Historia del Arte, pero nuestro pintor nunca se propuso ser un radical indómito, al modo de Courbet. Simplemente el mundo no estaba preparado para asumir un arte lleno de verdad como el suyo, una pintura en que la vida se presenta tal cual, sin adorno ni metáfora. En 1863 presenta su Desayuno sobre la hierba (Déjeuner sur l´herbe), la obra suscitó la hostilidad entre los críticos conservadores y supuso un gran descubrimiento para un grupo de jóvenes que más tarde encarnarían el espíritu del Impresionismo. Es sabido que el tema ya contaba con antecedentes del Renacimiento: Giorgione, Tiziano, Rafael..., pero Manet lo interpreta adecuándolo a la modernidad. Lo mismo sucede con su Olimpia. Para su desnudo, no necesitó diosas ni musas como en el Renacimiento y el Barroco, ni refinamientos sutiles de línea ingresca, sino que presenta el desnudo de una prostituta, una mujer de la vida contemporánea. Allí donde todos vieron burla no había más que modernidad y veracidad.
Para captar la realidad y su fugacidad se hizo inevitable la utilización de una pincelada rápida y empastada. Este rasgo es el que después identifica al Impresionismo. Sin duda, podría afirmar

que con Manet se inaugura la pintura moderna.

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El pífano

El balcón

Miguel Ángel

2008-06-27T04:30:00.000-07:00

Michelangelo Buonarroti, llamado Miguel Ángel, pintor, escultor, arquitecto y poeta italiano. Nació en Caprese, Italia, en 1475 muriendo en Roma en 1564. Uno de los mejores artistas de todos los tiempos. Muy joven aún, Miguel Ángel fue admitido como artista pensionado en el palacio de Lorenzo el Magnífico, en Florencia. Era un artista incomparable; entre sus obras figuran pinturas como la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, esculturas como la Piedad, el David o el Moisés, y proyectos arquitectónicos como la maqueta de la cúpula de la Basílica de San Pedro de Roma, proyecto que se culminó en 1588, habiendo muerto su verdadero autor, Miguel Ángel, sin poder contemplar esta maravilla. Era muy conocido por sus contemporáneos, quienes admiraban su talento; a pesar de su mal carácter, siempre descontento y aunque gruñendo sin cesar, trabajaba como un poseído para realizar sus obras maestras. Entre sus pinturas más notables están: La Sagrada Familí (Museo de los Uffizi, Florencia), La Sibila Delfa, Adán y Eva, El juicio Final, La Creación de Adá (Frescos pintados por Miguel Ángel en la bóveda de la Capilla Sixtina. Vaticano).

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Frescos de la capilla sixtina

Zurbarán

2008-06-26T03:15:00.000-07:00

Francisco de Zurbarán (*Fuente de Cantos, Reino de Sevilla (España); 7 de noviembre de 1598– † Madrid (Id.); 27 de agosto de 1664), pintor del Siglo de Oro español.
Contemporáneo y amigo de Velázquez, Zurbarán destacó en la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo. Fue un artista representativo de la Contrarreforma. Influido en sus comienzos por Caravaggio, su estilo fue evolucionando para aproximarse a los maestros manieristas italianos. Sus representaciones se alejan del realismo de Velázquez y sus composiciones se caracterizan por un modelado claroscuro con tonos más ácidos.

Los temas que trató a lo largo de su vida Zurbarán fueron lienzos religiosos oficiales, lienzos de devoción o profanos para particulares y retratos. Entre las iconografías destacan sus Inmaculadas Concepciones, una devoción muy defendida en la España del XVII. También las Vírgenes niñas o dormidas, las Sagradas Familias de la Virgen, poéticas, casi sentimentales, con visiones de la cotidianeidad de la España del momento. Otro tema de éxito fueron las imágenes de Jesús, niño o adolescente, los Crucificados de cuatro clavos y dos tipos: muerto con la cabeza ladeada, vivo con la cabeza alzada. Zurbarán sentía a título personal una gran predilección por los San Franciscos, meditando, rezando, con calaveras o muerto. Este gusto lo comparte con El Greco.

S.Francisco arrodillado con una calavera en las manos.

Aparición de S. Pedro a S. Pedro Nolasc

El Greco

2008-06-24T03:47:00.000-07:00

Doménikos Theotokópoulos, en griego Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Candía, Creta, 1541 - Toledo, 1614), conocido como El Greco (El Griego), fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.
Hasta los 26 años vivió en Creta donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo postbizantino vigente en la isla. Después residió diez años en Italia donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia asumiendo plenamente el estilo de Tiziano y Tintoretto, después en Roma estudiando el manierismo de Miguel Ángel.
En 1577 se estableció en Toledo, España, donde vivió y trabajó el resto de su vida. Su obra la componen grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas en los que a menudo participó su taller y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia de sus maestros italianos. Sin embargo pronto surgió un estilo propio caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas, delgadas, fantasmales, muy expresivas, llenas de misticismo y con iluminación propia, así como el empleo de una gama de colores buscando los contrastes. Este estilo se identificó con el espíritu de la Contrarreforma y se fue extremando en sus últimos años.

La Oración en el huerto

Charpentier y sus hijas

2008-06-24T03:18:00.000-07:00

Cuadro de Renoir 1878

La relación entre el editor Georges Charpentier y Renoir fue especialmente estrecha. Charpentier heredó una exitosa editorial, ampliando los resultados económicos de la misma gracias a su habilidad para descubrir nuevos talentos como Flaubert o Zola. Se casó con Marguerite Lemonnier en 1872, una joven de buena familia cuyo padre había sido un gran mecenas, protegiendo a Gericault y Delacroix. El hogar de los Charpentier se convirtió en uno de los centros culturales del París de la época y allí fue pintado este magnífico retrato, concretamente en la sala de estar, decorada al estilo japonés tan del gusto del momento.Marguerite aparece elegantemente vestida de negro, sentada en un diván, acompañada de sus dos hijas: Paul con ella en el diván y Georgette sentada sobre el perro. La composición está estructurada con maestría, recordando las obras clásicas al ubicar a la madre en la zona central de la escena, equilibrando las figuras de las niñas en la izquierda con la mesa y la silla del fondo. Al mismo tiempo, los diferentes elementos se colocan en planos paralelos para crear el efecto de profundidad, a través de una acentuada diagonal en perspectiva. Las tonalidades también están dispuestas de manera estructurada, creándose interesantes contrastes entre los tonos negros y los claros. Si bien la pincelada es rápida y fluida, encontramos una importante dosis de dibujo y modelado que no se halla en los paisajes de estos años.El cuadro fue expuesto en el Salón de París de 1879, obteniendo un importante éxito, lo que supuso el fin de las dificultades económicas de esta época para el pintor.

La familia de Carlos IV

2008-06-23T09:58:00.000-07:00

En 1800 Goya recibe el encargo de pintar un gran cuadro de grupo de la familia real, que se materializó en La familia de Carlos IV. Siguiendo el antecedente de Las Meninas de Velázquez, dispone a la realeza en una estancia del palacio situándose el pintor a la izquierda pintando un gran lienzo en un espacio en penumbra. Sin embargo, la profundidad del espacio del cuadro velazqueño queda aquí truncada por una pared próxima en la que vemos dos grandes cuadros de motivo indefinido. En Goya el juego de perspectivas desaparece y la familia real simplemente posa. No sabemos qué cuadro está pintando el artista y, aunque se ha pensado que la familia se sitúa frente a un espejo que Goya contempla, lo cierto es que no hay pruebas de tal conjetura. Más bien al contrario, la luz ilumina directamente al grupo, por lo que desde el frente del cuadro debería haber una ventana o un espacio diáfano y, en todo caso, la luz de un espejo difuminaría la imagen. No es el caso, pues la pincelada impresionista de Goya aplica destellos en las ropas que dan una ilusión perfecta de la calidad de los tejidos de las vestiduras y de las condecoraciones y joyas de los miembros de la realeza.
Alejado de las representaciones más oficiales —los personajes visten trajes de gala, pero no portan símbolos de poder ni aparecen, como era habitual en otras representaciones, enmarcados entre cortinajes a modo de palio—, se da prioridad a mostrar una idea de la educación basada en el cariño y la activa participación de los padres, lo que no siempre era usual en la realeza. La infanta Isabel lleva su niño muy cerca del pecho, lo que evoca la lactancia materna; Carlos María Isidro abraza a su hermano Fernando en un gesto de ternura. El ambiente es distendido, cual un interior plácido y burgués.

Joaquín Sorolla

2008-06-23T09:43:00.000-07:00

Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia, 27 de febrero de 1863- Cercedilla, 10 de agosto de 1923), fue un pintor y artista gráfico español. Fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas.

En el estilo más característico de Sorolla, el de técnica y concepción impresionista, destaca la representación de la figura humana (niños desnudos, mujeres con vestidos vaporosos) sobre un fondo de playa o de paisaje, donde los reflejos, las sombras, las transparencias, la intensidad de la luz y el color transfiguran la imagen y dan valor a temas en sí mismo intrascendentes.
Algunos críticos consideran estas obras un cruce entre los impresionistas franceses y los acuarelistas ingleses. Existe una importante colección de pintura suya en el Museo Sorolla de Madrid.

Niños en la playa

La Venus del espejo

2008-06-20T08:40:00.000-07:00

La Venus del espejo es un cuadro de Velázquez (1599-1660), el pintor más destacado del Siglo de Oro español. Actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres, donde se la exhibe como The Toilet of Venus o The Rokeby Venus.

En este cuadro de Velazquez podemos ver a la diosa como se contempla en el espejo. Un espejo que sostiene Eros (Cupido), representa el deseo o el amor. Como puede observarse en el cuadro de Velazquez, Eros sostiene el espejo de Venus pero además de eso se encuentra atado al mismo. Significa que Eros está solamente sojuzgado -solo atiende- a la belleza y además de eso es como un espejo.

Lo que ha generado tanta especulación y tanta literatura en torno a este desnudo es quién pudo haber sido la modelo.
Velázquez pintó este cuadro hacia 1.650. No se sabe exactamente cuándo o dónde, aunque se cree que pudo haberlo pintado en la Corte en España o en Roma.
Lo hizo cuando tenía cerca de 50 años, en un momento de plenitud profesional y artística y aunque se sabe poco de la vida del pintor, hay quienes creen que la modelo de la "Venus del Espejo" podría haber sido una amante que tuvo en Roma.
Hace poco se descubrió un documento por el que se sabe que Velázquez no pintó ese cuadro para el Marqués del Carpio, una de las principales figuras en el coleccionismo artístico europeo del barroco tardío.

La última cena de Leonardo

2008-06-20T06:39:00.000-07:00

La Última Cena

es una pintura mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1494 y 1498), se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Sant María de las Gracias en Milán (Italia). La pintura fue elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho.

Observaciones finales

Lo que es un hecho a comentar sobre la pintura en cuestión, "La Última Cena", es lo siguiente: Si bien es cierto que Leonardo tomó personas reales para sus modelos de los apóstoles (aunque se rumorea que el apóstol Simón fue hecho con el busto de Platón), en ningún caso es cierto que él mismo se pintara en la escena (supuestamente el segundo apóstol por la derecha), ya que si bien el parecido es real, en ningún caso coincide por fechas. La pintura data de 1494-1498, y en ese tiempo Leonardo tenía 45 años, mientras que el aspecto del apóstol es de mucha más edad. Además, en aquella época, el maestro aún no lucía barba ni un cabello tan cano.
En 1993, la escritora y abogada Vittoria Haziel publicó un pequeño trabajo en el que mostraba un documento de Leonardo Da Vinci en el que el genio del renacimiento "reconocía" la existencia de una mujer al lado de Cristo. Pese a que la investigación de la autora romana comenzó hace 14 años, su trabajo ha ido cayendo en el olvido y pocos son los que la reconocen este hallazgo.

Dalí

2008-06-20T06:15:00.000-07:00

Eugenio Salvador Dalí fue sin lugar a dudas, un genio. A la edad 14 había ya expuesto sus trabajos a los críticos, fue con frecuencia (y todavía algunas veces lo es), mal entendido. A los 22 se encontró con Picasso. También fue expulsado de la escuela del arte. Algunos años mas tarde comenzó a ser parte del grupo surrealista de París y allí, comienza su relación con Gala, la cual se prolongaría hasta 1982 cuando ella muere. A la edad de 79 Dalí pintó su último trabajo y en 1989 muere la edad de 85 años.

Como pintor, Dalí no tuvo un único estilo o técnica; lo mejor de su producción se desarrolló dentro del surrealismo y sus cuadros, de un gran detalle y composiciones extravagantes y geniales, reflejan un mundo onírico particular.

La persistencia de la memoria

Alfred Sisley

2008-06-19T09:11:00.000-07:00

Alfred Sisley (París, 30 de octubre de 1839 - Moret-sur-Loing 29 de enero de 1899) pintor francobritánico
De padres ingleses, fue enviado a Inglaterra para aprender el idioma y realizar estudios de comercio, contrarios a sus deseos artísticos. Empieza a pintar como aficionado e ingresa en el estudio de Charles Gleyre donde conoce a Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille. La guerra franco-prusiana de 1870 arruinó a su familia y obligó a Sisley a marchar a Londres. Decide entonces ser pintor. En 1874 expuso en la primera exposición de los impresionistas y lo continuaría haciendo en 1876, 1877 y 1882.
Sisley fue eminentemente un pintor paisajista, que se distinguió de sus colegas impresionistas por la decisiva intervención en sus cuadros de los elementos más imponderables: el agua, la nieve, el cielo, la niebla, de tal forma que ha sido considerado, junto a Monet, como uno de los impresionistas más puros. Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su producción: paisajes de gran espontaneidad de los alrededores de París, de Marly, Louveciennes, Bougival, Sèvres, Saint-Cloud o Meudon.
Sisley nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus compañeros impresionistas y vivió en la miseria a partir del momento en que dejó de recibir la ayuda económica de su acomodada familia. Esta situación se produjo a causa del hundimiento del negocio familiar en 1871. Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de poder contemplar como sus cuadros, que en angustiosos momentos de penuria había vendido a precios irrisorios, al poco de su muerte comenzaban a ser apreciados por la crítica y el público y alcanzaban elevadas cotizaciones en el mercado artístico.

la inundación del Port-marly

Village on the banks of the seine.

Edgar Degas

2008-06-15T06:37:00.001-07:00

Hilaire Germain Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 - † 27 de septiembre de 1917), maestro de origen francés se destacó como pintor y escultor. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet,capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel.

La Clase de Baile

Es considerado uno de los fundadores del Impresionismo. No obstante, su estilo se desmarca del grupo en varios aspectos, fundamentalmente, en su preferencia por los temas urbanos con escenas iluminadas artificialmente, en lugar de la pasión por la naturaleza y la luz natural de otros miembros del grupo; su formación académica se evidencia en que no abandona el dibujo sino que lo convierte en elemento esencial de sus elaboraciones de figuras, predominando pues la línea sobre el color; abandona la técnica al óleo para dedicarse exclusivamente al pastel; utiliza encuendres que lo acercan a la fotografía.
Realizó retratos y series sobre el mismo tema, destacadamente las bailarinas, pero también sobre las carreras de caballos, uno de sus temas favoritos en los que explora el movimiento. Otra serie son los desnudos femeninos que realiza sobre los distintos momentos de la toilette femenina. También representa escenas cotidianas de mujeres, lavanderas, planchadoras o burguesas.

Gauguin

2008-06-01T02:49:00.000-07:00

Eugène Henri Paul Gauguin (París, 7 de junio de 1848 - Atuona, Islas Marquesas, 9 de mayo de 1903) fue un pintor post-impresionista. Jefe de filas de la Escuela de Pont-Aven e inspirador de los Nabis, su obra está considerada entre las más importantes de entre los pintores franceses del Siglo XIX.
Sus experimentos sobre el color y el conjunto de su obra influyeron en la evolución de la pintura, en especial sobre el fauvismo, movimiento que se desarrolla entre 1898 y 1908.

Pieter Paul Rubens

2008-05-08T08:58:00.000-07:00

Pieter Paul Rubens (1577-1640)
Nació en Siegen, hoy Alemania. Diplomático, pintor de retratos y obras religiosas en estilo barroco italiano. Primeramente estudió en la región de Flandes (Bélgica) y más tarde se trasladó a Italia, donde pasó alrededor de 8 años pintando para iglesias, nobles genoveses y familias acaudaladas. También estuvo en Inglaterra donde fue representante diplomático y ejecutó obras a pedido del rey Carlos I. Finalmente en España pintó algunas de sus obras más refinadas. Rubens es sin duda el artista gráfico más importante de Europa durante el siglo 17. En sus comienzos emulaba a Tintoretto y a Veronese. Los trabajos, a fines de su carrera, comprueban el control magistral que tenía del pincel para reproducir el brillo en sus óleos, estilo que adoptó de su mayor referente Tiziano Vecellio.Entre los alumnos más destacados que tuvo Rubens está el artista flamenco Anthony van Dyck

Las tres gracias

Eugène Ferdinand Delacroix

2008-04-19T04:56:00.000-07:00

Eugène Ferdinand Delacroix (1798-1863)
Nació en Charenton Saint-Maurice, Francia. Pintor y dibujante del romantisismo europeo, movimiento intelectual de mediados del siglo 18 y el 19, que integra en la pintura motivos literarios, nacionalistas e históricos. Considerado el último pintor renacentista. En sus comienzos Delacroix reproduce cuadros de famosos como Rubens, el Veronés y especialmente de Miguel Angel. Allí hace revivir en sus obras, el estilo barroco lleno de colorido, que ya no era utilizado por los artistas neoclásicos del momento.Luego Delacroix evoluciona a un estilo que sienta las bases del movimiento impresionista, su influencia está presente en maestros como Cézanne y Matisse.

Giovanni Antonio Canal

2008-04-10T10:17:00.000-07:00

El Canaletto, (Giovanni Antonio Canal) 1697-1768.
Nació en Venecia, Italia. Pintor estilo Barroco, que deja poco a poco atrás la técnica del claro obscuro, que carece de luminosidad, para desbordar con el realismo transparente propio de su forma de pintar. El Canaletto no utiliza la perspectiva para alejar los elementos componentes de la escena, si no para acercarlos. Sobresale entre otros artistas de la época, por ser más fiel a la topografía de aquellos lugares que captura en sus cuadros. Inicia la moda de retratar paisajes y vistas urbanas, cosa que consigue de forma magnífica. Las escenas de ciudad que pintó fueron principalmente de lugares populares en Venecia. Esta idea surge para satisfacer el deseo de los visitantes extranjeros por adquirir un recuerdo de su paso por la ciudad.Otra especialidad del Canaletto fue el grabado en aguafuerte, técnica muy antigua, que ejecutó con gran maestría.

Rembrant Harmenszoon van Rijn

2008-03-24T06:17:00.000-07:00

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, 1606-1669.
Nació en Leiden, Holanda. Pintor barroco de retratos y dibujante superdotado. Ya a los 25, Rembrandt aplica en sus obras un estilo personal revolucionario que se aleja de la forma suave de pintar de los maestros holandeses contemporáneos y se sumerge en la técnica de los maestros italianos. Su pincelada gruesa, a veces sobrecargada de pintura, agrega a sus obras una textura inédita hasta ese momento. En vez de reflejar con exactitud las escenas, Rembrandt se inclina por retratar sugestivamente lo que ven sus ojos. Por otra parte, sin haber conocido Italia, aplica el estilo de pintar de los venecianos, que muestra un entorno obscuro para terminar con máximo fulgor en la imagen.En esa época los colores apropiados para una pintura eran limitados por los estándares académicos, sin embargo Rembrandt innovó con nuevos extremos de colorido y a la vez logró un equlibrio exhuberante entre esos extremos.Su técnica de aplicación de capas, desde el fondo hacia adelante, con una transición imperceptible de colores y tonos (esfumado), lo situan entre los capaces de dar transparencia con la calidad que lo hacen Leonardo y Miguel Angel.

La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp :
Es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt, que tenía entonces 26 años. Fue un encargo del potente gremio de los cirujanos, de los cuales Tulp, famoso médico de Ámsterdam.
El doctor Nicolaes Tulp está representado explicando la musculatura del brazo a profesionales de la medicina. El cadáver es del criminal Aris Kindt (Adriaan Adriaanszoon), de 41 años, ahorcado ese mismo día por robo a mano armada. Algunos de los espectadores son varios patrones que pagaban comisiones por ser incluidos en la pintura.

Pablo Ruiz Picasso

2008-03-13T10:46:00.000-07:00

Picasso, (Pablo Ruiz Picasso) 1881-1973.
Nació en Málaga, España. Pintor y escultor cubista que revolucionó el arte durante la primera mitad del siglo XX. Sus primeros pasos en la adquisición de identidad pictórica los realiza observando las obras de impresionistas franceses como Manet, Courbet, Toulousse-Lautrec, más adelante el fauvinismo, (fovismo) de Henri Matisse y la pintura plana de Henri Rousseau. Si bien Picasso empleó, a comienzos de su carrera, diversos estilos de pintura que van desde el realismo clásico, la caricatura y hasta esbosos de surrealismo (pintura ecléctica), no bastó mucho tiempo, para que junto a su amigo Georges Braque, lanzaran en 1909 el cubismo, que sin ser estilo abstracto, rompía las márgenes del concepto clásico de pintura hasta ese momento conocido. Esta búsqueda incesante de nuevas fronteras en el mundo de la percepción y la gráfica establecen al innovador Pablo Picasso como maestro célebre de las artes modernas.

Vicent Van Gogh

2008-03-07T10:24:00.000-08:00

Vincent van Gogh (1853-1890)
Nació en Groot-Zundert, Holanda. Pintor de estilo postimpresionista de cuadros al óleo, dedicado a este arte los 10 últimos años de su vida. Trabajando en Bélgica como pastor evangelista decidió iniciar su carrera. Allí conoció las obras de Daumier y Millet, donde asistió a una academia de arte en Antwerp, cerca de Bruselas. Posteriormente radicado en Francia, junto a su hermano Theo quien trabajaba para una galería de arte, conoció de cerca a Degas y Pissarro. Este último influenció la coloración que Van Gogh utiliza. Trabajó por períodos con Signac (puntillismo) y Gauguin (influenciador del fovismo). La demencia que le sobrevino a Van Gogh le impidieron mantener relaciones personales duraderas, y por ello, no logró disfrutar en vida la fama que gozaban los postimpresionistas clásicos. Sin embargo a los pocos años de fallecido sus obras alcanzaron celebridad y un valor inesperado en el mercado de la pintura.

2008-02-28T10:07:00.000-08:00

Claude Monet

Claude Monet (1840-1926)
Nació en París, Francia. Pintor, gran maestro del arte impresionista y sin duda uno de los connotados en la pintura de este estilo. A sus 18 años conoció al pintor Boudin, quien gustaba de trabajar al aire libre, característica que también acompañó a Monet toda la vida. Más adelante conoció a Pissarro, Sisley, Renoir y Bazille con los cuales formó el grupo de disidentes de la época, que impulsaron las artes francesas a una posición de vanguardia imposible de alcanzar con los clásicos previos. En algunos de sus cuadros, Monet rompe la barrera entre realismo y expresionismo puesto que teniendo mucho de lo último no carecen de lo primero. A medida que ganamos distancia de observación, sus pinturas sumergen en un realismo mágico y cristalino, dificil de encontrar en otros pintores del mismo estilo. Ciertamente que el gran Manet era su ídolo. Al final de su carrera Monet incursionó en la pintura abstracta.

2008-02-26T08:21:00.000-08:00

Johannes Vermeer

Johannes Vermeer (1632-1675)
Nació en Delft, Holanda. Pintor realista, posterior al Renacimiento, de cuadros al óleo de corte costumbrista. En un principio es influenciado por el estilo caravallista (variación holandesa de el Caravaggio), pero no por las obras clásicas italianas. Vermeer es descollante en la ejecución de su pintura y extricto observante de la perspectiva, genio en la representación geométrica del espacio en torno a sus personajes. La coloración que aplica es pristina, sus escenas de interior gozan de un realismo difícil de hallar en pares de su época. Vermeer fue olvidado hasta el siglo 19. Las obras que de él aun se conservan son escasas (cerca de 30), sin embargo estas no dejan dudas para ubicar a Vermeer como un gran maestro de la pintura de todos los tiempos. En el siglo 20 sus obras fueron plagiadas por van Meegeren, con tanta calidad, que confundieron a los especialistas los cuales las consideraron como legítimas.

historia del cuadro:

Griet es una bella joven de diecisiete años, que comienza a trabajar como criada en casa del pintor Johannes Vermeer.Pronto la chica comienza a interesarse por los cuadros del pintor y éste, descubriendo su interés, la enseña a comprender el color, la luz...la pintura. Sin embargo, su relación se ve trabada por Maria Thins, la suegra de Vermeer; que intenta que la familia (profundamente católica) no se vea afectada; Catharina, la esposa de éste y Cornelia, su hija de doce años, terriblemente celosas y por el rico jefe de Vermeer, Van Ruijven, que termina sospechando del idilio y manda hacer un cuadro de la criada, en el que debe posar sola. Griet afronta todos los problemas en los que se ve metida por culpa del cuadro y de su acercamiento y enamoramiento del pintor, mientras es cortejada por Pieter, un chico carnicero del pueblo con el que comienza a dar paseos.Así, a pesar de todo, Vermeer creará un hermoso cuadro en el que Griet será la modelo. Un cuadro que se convertirá en uno de los más hermosos del mundo.

2008-02-24T03:51:00.000-08:00

Francisco José de Goya y Lucientes

Francisco José de Goya y Lucientes (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que da comienzo al Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea y se considera precursor de las vanguardias históricas pictóricas del siglo XX.

etapas artisticas de Goya:

Viaja a Italia en 1770 donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales

Su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia.

De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués.

Pinta un gran cuadro,el levantamiento del dos de mayo de 1808, que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia que, además de comentar sucesos próximos a la realidad que vive el artista, no deja, sin embargo, de alcanzar un mensaje universal.

2008-02-17T09:11:00.000-08:00

Marija Konstantinovna Bashkirtseva

Nace en el seno de una familia nobiliaria menor de provincia, Marija Konstantinovna Bashkirtseva, había nacido el 24 de noviembre de 1858 en Gavronzi, población rural de Poltava, en Ucrania

Amiga de literatos y de pintores, pintora de talento ella misma, prolífica escritora, escultora, cantante, lectora ávida e incansable, mujer de mundo que dominaba cinco idiomas y deslumbraba en los salones de baile, la virgen eslava -como la llamaron- ha sido, por su belleza, su talento artístico y su vida trágica, una de las figuras más románticas del periodo cultural más intenso del siglo XIX.
Inevitablemente feminista, en una época de sometimiento para la mujer en que no existían muchos más caminos que el matrimonio, protestó amargamente y luchó contra todos los obstáculos para llevar adelante su vocación artística.

Aunque murio muy joven fue una gran pintora.

Encuentro

2008-02-15T10:57:00.000-08:00

Mary Cassatt

Mary Stevenson Cassatt (Allegheny City, Pennsylvania, 22 de mayo de 1844 – Château de Beaufresne, en las cercanías de París, 14 de junio de 1926). Pintora estadounidense.

Inició sus estudios de pintura en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania (1861-1865), a pesar de no contar con la aprobación de sus padres. En 1866 cansada de la actitud condescendiente de los profesores y alumnos, así como del desarrollo lento de los cursos, decidió estudiar a los maestros del arte por sí misma y se mudó a París.

En 1872, observamos una maduración en us estilo debido en parte al estudio de los maestros en los más importantes museos europeos y a las indicaciones de su maestro Camille Pisarro.

El estilo de Cassat continuó en evolución, por lo que dejó el impresionismo y se acercó más hacia una honesta y simple copia de la realidad. Hacia 1886, ya no se identificaba con éste ni con ningún otro movimiento artístico y empezó a experimentar con varias técnicas. En su trabajo podemos observar que casi un tercio de sus pinturas nos muestran escenas domésticas y retratos de madres e hijos en íntima relación.

2008-02-07T07:20:00.000-08:00

Bartolomé Estebán Murillo

Bartolomé Estebán Murillo (*Sevilla, 31 de diciembre de 1617 –† Cádiz, 3 de abril de 1682) fue un pintor español del siglo XVII. Es una de las figuras más importantes de la pintura barroca española, que tras haber decaído en estimación a principios del siglo XX, vuelve a gozar de importante reconocimiento mundial.

Caracteristicas de sus obras:

Murillo se interesó por la gente pobre , reflejando facetas de su vida con vivaz naturalidad. Plasmó imágenes impresionantes de gente de la calle, mujeres de su casa con sus niños, obreros, gitanos, artesanos. Murillo plasma en su pintura lo que la novela picaresca había querido vehicular por las letras, pero con un calor humano que suele faltar en la novela picaresca.

Pinta la calle, la vida corriente: muchachos andrajosos y picaruelos («Niños jugando a los dados», Galería de la Academia, Viena); mozas en la ventana con escaso pudor ,enfocando siempre esas escenas sin vulgaridad y con una pizca de ternura y de gracia sevillana.
A través de su pintura --y la de tantos genios del Siglo de Oro-- nos resulta más próxima la vida de nuestros antepasados .
A Murillo lo solemos conocer por sus Inmaculadas. Repróchasele su blandura azucarada y sentimental, lo edulcorado y débil de sus imágenes.

Murillo famoso por

sus picaros e

inmacu-

ladas.

2008-02-03T06:52:00.000-08:00

Pierre Auguste Renoir

Pierre Auguste Renoir (25 de febrero de 1841-3 de diciembre de 1919), es uno de los más célebres pintores franceses. No es fácil clasificarlo: perteneció a la escuela impresionista, pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos femeninos sobre los paisajes

Renoir, ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante del rococó

En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino.

Muchachas tocando el piano El Almuerzo de los remeros

En la terraza.

2008-02-03T05:10:00.000-08:00

Leonardo di Ser Piero da Vinci

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Anchiano, Italia, 15 de abril de 1452 – Castillo de Clos-Lucé Francia, 2 de mayo de 1519) fue un arquitecto, escultor, pintor, inventor e ingeniero, el hombre del Renacimiento por excelencia. Está ampliamente considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y quizá, la persona con más y más variados talentos de la historia.

El cuadro de la Gioconda, conocido también como la Mona Lisa, Monna Lisa o Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini.

Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.
La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino en los misterios y enigmas que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, los enigmas como la identidad de la modelo o el secreto de su sonrisa. La Gioconda es el cuadro más famoso del mundo.

2008-02-02T07:00:00.000-08:00

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez

Nació en Sevilla en 1599 ,aquí desarroló su primera etapa de su trayectoria como pintor.La etapa sevillana estuvo marcada por su formación en el taller de Francisco Pacheco,donde adquirió un estilo marcado por el realismo y por el tenebrismo. En 1623 fue llamado a la corte por el Conde Duque de Olivares.Allí empieza la etapa madrileña , realizó los primeros retratos de la familia real y de los bufones.En 1631 realizó su primer viaje a Italia donde profundizó en el estudio del desnudo y la perspectiva.En su segundo viaje a Italia alcanzó la perfección técnica que plasmó en sus obras maestras posteriores.

las meninas es una de sus obras maestras ,aparecen los siguientes personajes:

-la infanta Margarita situada en el centro

-las doncellas a su lado

-los dos bufones a la derecha,Maribárbola y Nicolás Pertusato jugando con su perro

-A la izquierda Velázquez pintando el cuadro.

-al fondo en la puerta el aposentador jose nieto

-al fondo a la derecha la dama marcela ulloa y a su lado un hombre sin identificar

-y los reyes felipe IV y mariana de austria en el espejo.

*Arte&Oro*